报道|李红莲

摄影|黄亮晖、柯文光提供

“有时创作的灵感来自不小心的失误。”

柯文光除了是一位退休的飞机维修工程师，他还有另外一个身分——在马来西亚舞蹈界几乎人人都认识的Uncle James，一位专门拍摄芭蕾和各种舞蹈演出的摄影师。

近日，柯文光与林伟彬、曾德嘉和姚国康3位剧场摄影师，联手举行一场名为《一箱子的光·Sekotak Cahaya》的剧场影像联展，是本地少见以表演艺术场域为内容的主题展。

舞台拍摄是摄影师与表演艺术之间，以光影对话的再创造，这个展览也涵盖剧场空间与人文纪实的创作。

如果舞台演出是一度创作，那么摄影师手中的拍摄就是二度创作。

柯文光的作品集以“定格中流动的舞姿”为题，长曝光的技巧，让光线成了柯文光照片上穿梭的彩笔，快门则是无形的剪刀，为舞者剪裁出行云流水且抽象的影像；而多重曝光创造的叠影，则有如奇幻拼贴的梦中镜像。

三度创作呈不同趣味

这些摄影技法其实并不是秘密，但若以舞台表演作为拍摄对象，那每帧照片其实都像是在捕捉瞬间的绘画或拼贴魔术。

不同于一般的摄影作品展示，其作品在视觉艺术家李慕义手中进行三度创作，呈现不一样的观赏趣味。因为自1839 年，达盖尔银版摄影法问世，宣告摄影术的诞生，也渐渐取代绘画作为写实记录的地位，并影响后世绘画流派的诞生和变化。

李慕义先是从印象派对画作构图、光色运用的探索中取得灵感，将柯文光的作品与大师的画作配置拼贴，展现绘画与摄影的互位关系。

柯文光的4幅作品，分别与印象派大师窦加笔下《芭蕾女孩》、野兽派大师马蒂斯的《舞蹈》以及未来主义画家薄邱尼的《玩足球者的物力论》拼贴成数个流动的灯箱舞台，在展场的不同空间或转角中出现。

同样都是以身体在空间挥舞出流动的绮丽，呼应了跨越时空的色彩线条和笔触。

从痴迷舞蹈到爱上摄影

“还没走上芭蕾或舞蹈拍摄之前，我得先说，一切都从《周末夜狂热》开始。”

是次采访是在柯文光家中进行，客厅里摆了一些过去的旧照，乍然一看婚照中的他，很像香港八十年代男演员石修。

退休后的他，留起一头及肩长发，平日就是随意把银黑夹杂的发丝拢绑成低马尾，黝黑的皮肤，谁也想不到他大半辈子是个舞痴。

1977年约翰屈伏塔主演，以流行舞为主题的电影《周末夜狂热》风靡一时，他当时身在香港念飞机维修工程，“就因为里面的热舞，我一共到戏院看了6次。”

30岁学芭蕾

毕业后，他一度参加舞蹈公开选拔赛，但没得名。被马航录取成为技师，一待就是15年，还加入公司员工俱乐部的舞蹈组，从此深陷在跳舞的乐趣中，“我们常常要演出华巫印三大民族舞，我全都学了。后来还去上了全科（共十项）的国际标准舞，再加莎莎舞。”

热爱跳舞让他认识许多舞蹈老师，还被拉入舞蹈协会筹办活动。意犹未尽的他，30岁时学芭蕾，从扶杆开蹲、运臂转圈开始练起。

“舞蹈协会每年都有各种演出和比赛，当时市面上的专业摄影师大多只拍婚纱照。我们常常找不到好的摄影师为舞者做记录。”

所有瞬间都不能重来

2004年，柯文光自告奋勇投资了一台单反相机，自学摸索四处请教，渐渐地从跳舞的位置，退下到观众席上成为记录者。一帧题名为《Pasut》的照片让他获得2011年美国国务院教育和文化事务局（ECA）举办的摄影比赛首奖。

那是一群马来舞者同时跃起，在空中凝定的舞姿。“就像在拍摄一只在空中翩翩起舞的蝴蝶……”他15年前就用这句话来形容舞蹈拍摄。除了讲究构图、角度和光圈快门，最具魅力的那一刻就是——所有的瞬间都不能重来。

跟着音乐拍子跑

“面对技术性复强的芭蕾，选照非常严格，一旦捕足不到舞者最标准和漂亮的舞姿，照片就算废了。”比如：有无维持踮脚（Pointe）或者在空中跳跃时，手脚张合和身体动作表情必须到点到位。对舞者在台上动作理解和要求，还要兼顾整体构图，就靠柯文光多年习舞和8个月的芭蕾训练。

有一次，他在评审区跟拍比赛，休息时评审转头对他说，“听得出来，你非常专业。”因为他按快门的节奏，分毫不差跟着音乐拍子跑，且精准踩在最佳的动作点上。

“首先你得对音乐和节拍、舞蹈特质和编舞有理解；要从舞者前置铺垫的动作中，预测他／她下一个动作的落点或去向。面对第一次看就要马上拍摄的演出，我有时会要求先听一遍音乐，从中推测整支舞蹈的高潮或者精彩点。”

大部分的演出，只会给摄影师一次在总彩排上拍摄的机会，因为你可以自由在场内走动。往往90分钟的演出，摄影师需要举着好几公斤的相机满场跑，透过观景窗去追踪舞蹈者的动作，每分钟一二十下的快门，已经成了条件反射。

一秒失误打开新风格

剧场拍摄不能采用闪光灯，而且灯光设定随时变化，非常考验摄影师的应变能力。除了捕捉主办方想要的画面，柯文光有时也会抓拍一些自己的创作。

“其实长曝光的创作灵感，来自一次不小心的失误。”

起因就在柯文光平时也搞一些光影涂鸦（Light Painting）的创作，以长时间曝光捕捉发光体移动的轨迹。

长曝光有惊喜

“有一次，我去国家艺术学院（Aswara）拍摄一场演出，现场按快门时发现快门反应怎么变慢？原来我忘了把光影涂鸦的设定还原。”就因为那一秒钟失误的长曝光，为他在舞蹈拍摄上打开了另一种风格。舞者连续舞动的身影像线条一样流动，并在画面上定格，“效果还不错，是个惊喜。”于是，他开始对舞蹈拍摄展开更多类似的二度创作；除了长曝光，还进一步探索多重曝光打造的叠影拍摄。

“按照委托付费拍摄的标准，这些抽象的照片其实都不合格，也交不了差。主办方要的是纪录，美的同时还要清晰。唯一能接受这些另类的照片，大概也只有国家艺术学院。”

这些让人玩味和唯美的照片，通常只在他的脸书上和同好之间流传。《一箱子的光》是他拍摄近20年，首次以联合创作的方式展出自己的作品，接下来他们也会联合出版一本同名双册的展后摄影集。”

让自己融入表演

“无论是演出或比赛，当我隐身在黑暗中捕捉飞舞的身影，我总会让自己融入到表演中，仿佛我也是演员的一部分。偶尔，你还会看到我随着音乐摇摆和移动，同时不停地按下快门。”爱舞成痴的他，通过细微的观察从一个旁观的记录者，进而成为隐身其中的主观创作者。

他心中的舞姿，不再是自身在舞台上稍纵即逝的身影；而是用手中的小黑箱，为舞者写下恒久美丽流动的定格。