这个设计师无“光”不欢！
报道|洪诗迪 图片|官网/互联网
绝大多数的人对日本服装设计师的印象，仍停留在山本耀司和川久保玲，或已故的高田贤三和三宅一生等人身上。实际上，在时尚圈中还有很多值得我们去认识的日本设计师，正如早前在巴黎时装周上，运用灯光给一件件服装染上美丽的色彩，让观众惊艳不已的森永邦彦（Kunihiko Morinaga）。
其实森永邦彦已不是新人，他在时尚圈中已经有将近20年的资历，可惜名气却没有其他更为人们熟知的日本设计师高。
在这场秀之前，他也曾因参加深受业界关注的青年设计师大奖（LVMH Prize），而一度引起人们的关注，原因是他是8位入围者中的唯一亚洲脸孔，而且以他的资历来说也略显“超龄”，但当时受疫情影响，主办方一直无法选出大奖获胜者，最终的决定是由入围的设计师们平分奖金。
撇开当时引起的小骚动，森永邦彦可说是一直都处在不高不低的状态，在国内有听过他的人更是少之又少，这是非常可惜的，因为他在创作上有非常独特的想法，以他品牌名称ANREALAGE为例，它其实是由3个英文词汇组成，包括A Real（真实）、Unreal（虚幻）和Age（时代）。
因此你会发现，除视觉冲击外，他的设计几乎都会带出一个事物的两种面向，引导我们去思考真实和虚拟之间的暧昧场域。
在才结束不久的秋冬巴黎时装周上，森永邦彦以“遇光变色”的服装科技，震撼线上和线下的观众。
冲击视觉效果
正如早前举办的秋冬秀，可见踏上秀台的模特儿身穿的都是全白的衣物，在经过灯光的扫描之后，全白的衣物就瞬间染上了美丽的色彩，而背后的原理就在他采用的“颜料”上；没错，这些衣物，原本就有色彩，只是要在紫外线的照射之下才会自动显现，据称是他与三井化学公司合作开发的技术。
但他要展现的并不只有那冲击的视觉效果，以及服装科技和未来时尚的无限可能性，其实森永邦彦的创作灵感是源自德国哲学与生物学家提出的环境（Umwelt）观点，即人类和生物都是生长在同一个世界里，可是它们却看见了与我们截然不同的世界。
于是，他便巧妙利用人类的可见光，以及昆虫可见（人类看不见）的紫外线光，打造出一场从人类角度的不可见到可见，以及从昆虫角度的可见到不可见的魔幻时装秀；而他所要传递的信息是，要亲自体验并定义生活中的各色环境，因为“眼见不一定为凭”。
然而，相信熟识他的都知道，这已经不是他首度采用类似的设计概念了。
【森永邦彦简介】
● 1980年，出生于日本东京，毕业于日本早稻田大学的社会科学系。但他在大学时期便在前辈神田惠介的影响下，开始对服装设计产生兴趣，于是也进入了凡达设计研究所学习服装设计。
● 2003年，他创立了自己的时装品牌Anrealage。
● 2005年，他首度在日本时装周展示自己的第一个时装系列，同时也获得了纽约Gen Art的前卫时装设计大奖。
● 2011年，他又获得每日时尚大奖（Mainichi Fashion Grand Prix）的最佳新人设计师奖。
● 2014年，他才首度踏上巴黎时装周。
2015年，他以服装设计带出光和影的矛盾的共生关系。
光影春夏秋冬
2014年，森永邦彦首度踏上巴黎时装周。
他的首场秀是2015年的春夏系列，取名“影（Shadow）”，当时的模特儿穿的都是黑色套装，当圆形的光照照射在模特儿身上时，他们的衣物就会呈现出不同的图案，包括格纹、波点和千鸟格纹等；后来的秋冬系列，取名“光（Light）”，则是注重在光在黑暗中的展现，让模特儿身上的衣物呈现出仿如自带聚光灯般的冲击视觉效果。
而这就是森永邦彦想要带出的一体两面的概念，以光和影之间矛盾的共生关系，传递出世间万物因有光才有清晰的轮廓和边界，反之黑暗中的虚幻影子亦是事物存在的证明。
2019年，他让一件件的深色服装，慢慢地褪成无色的状态，跟今年从无到有的变色概念完全相反。
从深色到无色
2019年的春夏系列，他开始对颜色展开更深入的剖析，可见模特儿身上的衣物从一开始的深色，走到最后竟慢慢褪成了透明的“无色状态”；在森永邦彦看来，颜色是流动性的，当它被褪去时就像浑浊被清除，或是当我们所看见的东西消失之后，所看不到的东西就会显现一般，引人深思。
也许是有专业背景的加持，不仅科技感成了Anrealage的一大品牌特色，森永邦彦更擅用自己对生活的细微观察及对光学的深入瞭解，打造出一场场让人看得目不转睛的时装秀。
2022年，他以充满万花筒般的视觉感的几何图案，带出了既虚幻又真实的数字化未来主义。
不成文的规定
此外，品牌的另一迷人之处，还在于森永邦彦不只想要做出没人做过的作品，更要打破服装设计众多“不成文的规定”，就好比他2009年的春夏系列，在我们的认知中，服装都是以人体为基础设计，但他却是以球体、金字塔和立方体等三维形状为基础，当设计出来的衣物穿在人体上时，它们又会随人体形状变成新的呈现方式。
2019年的秋冬系列，他又将纽扣、拉链、腰带和衣领等，一般常用来辅助设计的服装配件放大，纷纷都变成了整体造型中的“主角”；这样做的目的是要人们意识到，我们其实可以打破服装的传统廓形，换个角度去思考它们的无限可能性。
还有一个不得不提的是2020年以积木为灵感的系列，森永邦彦以圆柱体、长方体和三棱柱等来组合成衣物，因每个部分都没有缝制，所以你可以自由拆卸和组合成自己喜欢的效果，以充满童趣感的积木，带出“Build and Break，Break and Rebuild”的解构概念。
森永邦彦还曾以球体、金字塔和立方体等三维形状，而不是常规观念中的人体为基础来做设计。
南洋殖民风设计 绿蓝白黄视觉大冲击
由著名建筑师大卫·纳撒尼尔（David Nathaniel）设计的The Edison Hotel，建于1906年。这幢英式大宅的建筑风格，奢华庄严的外观设计突显了当年官邸主人的气势。
The Edison Hotel曾经是一栋四代同堂生活的豪华官邸，然而不幸的是，后代因为好赌把家产挥霍殆尽，最终连这栋豪宅也赔上。后来英殖民时期鸦片盛行，它便成了烟馆，二战期间被日军占领成为行政大楼，到70年代末沦为风月场所，其后变成了廉价旅馆。
其辉煌的建筑背景遗产，造就了酒店奇特的设计！走进里头，可以看见选用大量的木质雕刻、印花瓷砖，而精致独特的室内设计更呈现出经典与现代的交错，还有多元文化元素的融合——南洋风。
酒店坐落在拥有多种建筑风格的乔治市中心，其历史也同样充满着各种精彩。
色彩分明强烈
入住登记的柜台，设于酒店正中间，柜台背后是上楼的楼梯。作为接待区的大厅，颜色运用为绿、蓝、白和黄色为主要色调，色彩分明，对比强烈；柜台后的背景墙则以各种花卉为设计的图案，这也是马来西亚传统喜爱用花卉图案装饰的传承，全部花卉以深宝石蓝所呈现，不禁令人联想设计灵感源于中国的青花瓷。
墙背后则是室内庭院……一个明亮通风的空间，位于整栋建筑的正中间。整栋大楼有座天井，所以室内庭院并未安装冷气，只是到了炎热下午难免会感觉稍微有点热。
步入酒店大堂室内设计风格极具摩登复古感，法式与中式的融合即大气优雅又融合了当地文化，当中的大黄色中式椅子特别抢眼。
天井位于整栋建筑的正中间，所有的窗口都保留原有的，它的年龄可是比我还大。
保留旧时模样
美丽的开放空间，以纯白色墙壁为主，鲜亮玉饰，还有由木材、金属、瓷砖和玻璃等材料建造而成的设计图样。
酒店曾被改造和修复，但依然保留了建筑物的大部分历史和特征，散发着永恒的魅力和优雅，而这些都是现代化酒店找不到的细节。
在早晨或者傍晚可以坐在室内庭院的沙发上放松一下，欣赏那些柱梁雕花的装饰，这也取材自当地的传统工艺。
房间没有过多的花俏设计，简单配色加上温暖灯光，非常舒服。
木地板铺垫
客房沿建筑的中轴线两旁对称分布，极其大胆的全部采用冷色系，与公共区域呼应，没有繁杂的装饰，空间感极强，细看用料和工艺，着实花费不少功夫。槟城地处热带，冷色系正好为热带的高温添一抹清凉。
整栋酒店只有35间客房，分类为3种不同的房型。房间内也都和大厅一样分明的蓝、绿、白和黄色搭配冷色系设计，让全年活力热闹的乔治市多了一份稳重气质。
由于整栋楼地面都是由木地板铺垫，所以只要有人路过时就会发出轻微的木地板声，住在楼下房间听见从楼上传出的这些杂音，最为明显！
另外，浴室的淋浴区是没有任何淋浴屏隔开的，加上酒店花洒的水力挺猛的所以淋浴时水会溅出，难免会弄得一地潮湿，因此地面也会比较滑。
浴室的淋浴区没有任何的淋浴屏隔开，洗澡时难免会把地上弄湿。
传递岁月温度
酒店弥漫着浓浓的英殖民气息和南洋风味，身处这里仿佛踏上时空旅行，穿梭时空回到上个世纪英式独栋的别墅里。拥有独特的历史背景，让人犹如置身于老槟城的感觉，室内的一砖一木都保留了英殖民南洋的风格和气质，难得一见！
试想象，在一间经过精美修复英殖民地的百年豪宅中过夜，它融合了中，英、东南亚等元素，它代表旧时代的美感，传递着岁月的温度与情怀，它散发出一股南洋风，一个视觉感官剧烈冲击的年代所呈现出来的设计，多让人难忘。
所谓的南洋风，就是那个被外来文化剧烈冲击的年代，融合了中式、英式、法式、东南亚等代表元素。它代表旧时代的美感，传递着岁月的温度与情怀。
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